Comment lire les tableaux: le retable de San Zaccaria de Bellini

Le décodage d'un chef-d'œuvre vénitien

Détail de «Retable de San Zaccaria» (1505) de Giovanni Bellini (c.1430-1516). Source Wikiart

Il y a peu d'endroits comme Venise.

Avec ses lagunes et ses cours d'eau qui scintillent sous une brillante lumière adriatique, avec ses bâtiments et parfois de l'eau puante (qui me fait toujours penser à la peste de la mort de Thomas Mann à Venise), la ville est un paysage transformé comme aucun autre.

Il y a peu d'endroits comme Venise, et surtout à cause de l'art. Il est rare de trouver ces jours-ci, mais à Venise, vous pouvez toujours voir des peintures qui pendent dans la position pour laquelle elles ont été faites. L'histoire de Venise vit comme si peu d'autres villes le font.

Détail de «Retable de San Zaccaria». Source Wikiart

Un tel tableau est le retable de San Zaccaria de Giovanni Bellini, peint en 1505 alors que l'artiste était au début des années 70 - l'année de naissance exacte de Bellini reste un sujet de débat. Le critique d'art victorien John Ruskin a jugé la peinture l'une des «deux meilleures images du monde». (L'autre était la Madone du triptyque Frari, également de Bellini.)

Ce qui retient immédiatement le retable de San Zaccaria, c'est le sens élégant de l'espace créé par Bellini. L'illusion est d'une abside architecturale, une petite chapelle avec des colonnes de chaque côté et coiffée d'un dôme recouvert de mosaïques. La Vierge Marie est assise sur le trône au centre, entourée de saints. Voyez comment le marbre blanc du trône, avec le châle blanc de Marie et, surtout, la luminosité de l'Enfant Jésus, font fleurir le milieu de la peinture.

De plus, regardez simplement la façon dont Bellini a incliné la lumière pour qu'elle traverse la scène de gauche à droite, permettant ainsi à une ombre douce de tomber derrière le Christ à sa droite, le mettant en avant et soulignant son contour. Il est facile d'oublier ces détails, mais ils font toute la différence.

Détail de 'San Zaccaria Retable', montrant de gauche à droite, St Peter, St Catherine, la Vierge Marie tenant l'enfant Christ, St Lucy et St Jerome. Source Wikiart

Derrière le trône, la niche architecturale est modélisée en trois dimensions et brille d'un ocre jaune doux, permettant au reste de la scène d'occuper un avion qui est en marche avant, traversant presque dans notre espace du monde réel. C'est un triomphe de la peinture qu'aucun de ces effets ne semble forcé. Le mélange de couleurs - les rouges, les ors, les bleus et les verts des robes et les blancs subtils de l'architecture - donnent à l'ensemble une richesse finement filée. C'est dans la subtilité de cette richesse que réside l'originalité de Bellini.

Que regardons-nous?

L'un des plaisirs de la peinture est de découvrir les petits détails qui donnent vie à son sens.

Oeuf d'autruche et détail de lampe en cristal. Source Wikiart

Un tel détail, tout en haut du tableau, est si facile à manquer: un œuf d'autruche suspendu à un accord.

On sait maintenant que les autruches pondent leurs œufs dans des nids communaux, qui consistent en un peu plus qu'une fosse raclée dans le sol. Les œufs sont incubés par les femelles le jour et par les mâles la nuit.

Cependant, à l'époque médiévale, l'autruche - un oiseau très admiré - était communément soupçonnée d'enterrer ses œufs dans le sable et de permettre à la chaleur du soleil d'effectuer l'incubation. En raison de l'émergence de jeunes sans implication parentale, on pensait que l'œuf d'autruche était un symbole idéal de la virginité de Marie - un concept théologiquement délicat pour lequel des parallèles dans la nature étaient recherchés.

L'œuf d'autruche, symbolisant la virginité de Marie, fonctionne à l'unisson symbolique avec la lampe en cristal qui pend en dessous. La lampe représente la pureté, car le verre cristal est tangible mais aussi transparent.

Ainsi, du haut du tableau, une ligne verticale mène vers le bas, à partir d'un couple combiné de virginité et de pureté, jusqu'à Marie et son enfant en dessous.

Tête sculptée de Salomon sur le trône de la Vierge à l'enfant. Source Wikiart

Un autre détail, celui qui donne peut-être du sens à tous ces signes, est la sculpture au sommet du trône. Il montre la tête de Salomon, le fils de David et de Bath-Shéba et le troisième roi d'Israël. Salomon était vénéré pour sa sagesse, et sa sagesse n'est pas mieux exposée que dans la merveilleuse histoire de son Jugement, comme le raconte 1 Rois 3: 16-28: devant Salomon se trouvent deux femmes au milieu d'une dispute. Tous deux sont nés d'un enfant, mais l'un des bébés est décédé; maintenant, les deux femmes revendiquent l'enfant restant. Afin de découvrir la vérité, Salomon ordonne d'apporter une épée, disant: "Divisez l'enfant vivant en deux, et donnez la moitié à l'un et l'autre à l'autre." À cela, l'une des femmes renonce immédiatement à sa revendication de l'enfant, se révélant ainsi être la vraie mère, qui ne pouvait pas supporter de voir un mal à son enfant.

Ainsi, la tête sculptée sur le trône de Marie parle de la Vierge à l'Enfant occupant un siège de sagesse. Ainsi, nous pouvons lire l'unité de la virginité, de la pureté et de la sagesse comme des attributs idéaux de la mère et de l'enfant sacrés.

Marie et le Christ sont entourés de quatre saints, placés symétriquement autour du trône. Le style général de la peinture est connu comme une sacra conversazione, une tradition de la peinture chrétienne où plusieurs saints sont rassemblés autour de la Vierge. Les saints peuvent être d'âges différents, quelle que soit la période dans laquelle ils ont vécu, apparemment dans une «conversation sainte» mais plus souvent dans une rêverie réflexive. Un tel concept permet une multitude de combinaisons symboliques.

Dans la peinture de Bellini, les quatre saints représentés sont Pierre, avec ses attributs de bible et de clés («Je vous donnerai les clés du royaume des cieux»); Catherine d'Alexandrie, tenant une feuille de palmier pour symboliser son martyre et se tenait à côté de sa roue brisée (l'instrument de sa torture); Lucy avec sa propre paume et une lampe en verre (dérivée de son nom, ce qui signifie illuminer); et Jérôme, l'érudit et traducteur de la Bible en latin. Au pied de la Vierge, un ange joue d'un instrument semblable à un violon.

«Retable de San Zaccaria» (1505) de Giovanni Bellini (vers 1430-1516). Source Wikiart

Ils sont positionnés symétriquement par rapport au trône. Il convient de noter comment la composition mène l'œil au centre de la peinture, avec les deux figures extérieures tournées carrément vers l'extérieur et les deux figures intérieures tournées aux trois quarts vers l'intérieur, configurant l'espace de sorte qu'une sorte de passage vers le milieu soit établi.

Regardez par exemple les mains et les bras des figures les plus à gauche, les Sts Peter et Catherine. La position du bras gauche de Peter forme une ligne continue avec la droite de Catherine. Les lignes de leurs draperies et les angles de leurs épaules aussi, tous par degrés subtils, ajoutent une touche de dynamisme intérieur à l'ensemble.

Les saints travaillent donc à une composition significative; ils ont aussi une profondeur symbolique à part entière.

Une façon de lire les saints est de les considérer comme deux ensembles de paires complémentaires: les deux figures extérieures, les deux hommes, représentant la fondation de l'église (Pierre) et son développement savant (Jérôme); et les deux femmes à l'intérieur représentant les vertus de l'apprentissage et de la sagesse (Catherine) et la dévotion (Lucy).

Tout cela peut nous sembler obscur et pédant, mais pour un adorateur du XVIe siècle, les symboles auraient été beaucoup plus «lisibles» et aptes à la réflexion. La véritable réussite de Bellini - pourquoi il est facile d'appeler cela un chef-d'œuvre - est le mélange élégant des motifs symboliques dans un ensemble harmonieux et quelque peu naturaliste.

Au cœur même du tableau, la Vierge est assise sur son trône de marbre, le genou gauche levé pour soutenir l'Enfant Jésus, le présentant au spectateur pour l'adoration.

Le visage de la Vierge représente peut-être l'aspect le plus séduisant de l'œuvre et un dilemme d'interprétation, ce que l'historien de l'art TJ Clark appelle le `` problème d'expression '':

«Même poser la question comme un« problème »semble gênant. À quoi aurait ressemblé la mère de Dieu? Et comment ce sentiment, ou ce jeu de sentiments contradictoires, aurait-il enregistré dans le comportement, un «visage» présenté au monde? »
Détail de «Retable de San Zaccaria». Source Wikiart

Pour répondre au «problème de l'expression», certains mots semblent se rapprocher - contemplatif, sage, réfléchi - mais ne sont pas à la hauteur car ils sont trop évidemment des clichés.

Pourquoi ne pas aussi voir l'inquiétude ou la confusion sur son visage? Après tout, la théologie de la Vierge a toujours contenu un élément de doute, voire de peur. Peut-être, alors qu'elle écoute la musique du violon, jouée avec toute l'assurance possédée par un ange, ses pensées commencent à dériver, et avec une dose de désir ordinaire, elle se demande quelle étrangeté lui est arrivée. Elle commence à prendre le pied du bébé Christ alors qu'il lève sa jambe - un moment instinctif de contact entre une mère et son bébé qui se produit de manière subliminale. Dans un instant, Il abaissera son pied et sa main le coupera, et leurs yeux se tourneront l'un vers l'autre. Peut-être. Mais c'est le moment avant, quand le balayage de la musique de violon nous a tous fait arrêter, saints, mère et enfant, et faire une pause sur notre place complexe dans l'histoire du salut. La peinture de Bellini fait tout cela.

Christopher P Jones écrit sur son blog. Vous pourriez également être intéressé par ces histoires sur l'art: