Pourquoi les galeries d'art doivent être des marques

Andy Warhol - Campbell Soup Cans, 1962

Les origines de ce que nous appelons aujourd'hui une marque remontent à la première histoire de l'humanité. Les clans primitifs ont marqué leur territoire de totems. Les badges familiaux indiquaient l'appartenance à des proches. Le marquage d'objets peut déjà être trouvé dans les premières cultures, comme dans l'Égypte ancienne. Par exemple, des briques ont été fournies avec des symboles pour marquer superficiellement leur origine. Au Moyen Âge, les guildes revendiquaient que leurs marchandises soient étiquetées pour les distinguer de celles de la concurrence.

La marque en tant que système, après la compréhension populaire d'aujourd'hui, commence par la révolution industrielle. À l'époque, les entreprises ont commencé à produire pour les marchés de masse et les consommateurs ont été confrontés à une abondance de produits et de possibilités de consommation. Boutiques et conseils d'achat cédés aux supermarchés et self-service. Les produits sont devenus des boîtes noires pour les consommateurs, ce qui a conduit à un besoin urgent de mesures de confiance. Ainsi, le renforcement de la marque est devenu un élément élémentaire de la gestion d'entreprise afin d'être compétitif.

Dans une société de consommation, alors comme aujourd'hui, les marques ont pour tâche de donner un sens à l'orientation - formulé des consommateurs plus radicalement directs. Les marques doivent être une promesse (de qualité) pour minimiser l'incertitude comme les inquiétudes d'achat. Les marques organisent notre monde de vie, déterminent les identités et créent des communautés.

Les conditions qui s'appliquent aux marchés de consommation et qui définissent le besoin de marques fortes, peuvent être transférées au marché de l'art, en particulier au 21e siècle. Le marché de l'art autrefois exclusif, accessible à une petite partie de la société, se démocratise rapidement. La consommation d'art devient plus accessible. Mais aussi déroutant.

La force motrice fondamentale de cette évolution est la numérisation croissante du marché de l'art. Les artistes, galeries et maisons de vente aux enchères sont omniprésents sur Internet, notamment sur les réseaux sociaux. D'innombrables plateformes en ligne proposent des marchés pour l'achat d'œuvres d'art. Internet et les médias sociaux réduisent les barrières à l'entrée qui rendront le marché de l'art non seulement plus accessible aux consommateurs, mais permettront également à quiconque de se positionner et de se présenter en tant qu'artistes ou marchands.

Aujourd'hui, le marché de l'art établi fait face à une multitude d'acteurs émergents sous la forme de places de marché en ligne et d'artistes amateurs amateurs. Les consommateurs, quant à eux, connaissent une surabondance déroutante de marchés d'art abordables, de comptes d'artistes «Instagram» et de galeries Pinterest. C'est précisément là que l'analogie avec le marché de masse post-industriel peut être établie. Les œuvres d'art deviennent des boîtes noires. Les collectionneurs (consommateurs) perdent leur orientation et leur confiance.

L'ancien rôle de gardien des galeries est obsolète. Pas malgré cela, ou peut-être à cause de cela, les galeries, dans le cadre d'un marché de l'art démocratisé et dilué qualitativement, ont un devoir crucial: être une marque. Être une marque de confiance des collectionneurs. Cela légitime l'art et le délimite ainsi de l'art du loisir. Cela conduit le collecteur impuissant, est un sceau de qualité et réduit ainsi les craintes. Les galeries doivent se concentrer sur leurs compétences. La compétence pour découvrir et gérer le bon art. La compétence de l'expertise et le traitement et la communication pertinents des contenus.

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